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Boas sequências são raras. Nunca é fácil recriar a bebida unique que se transformou em um grande filme. Para um determinado ano, produzir até duas grandes sequências é excepcional, e é por isso que 2017 foi annus mirabilis para esses acompanhamentos. 2017 produziu cinco sequências do mesmo gênero – ação de ficção científica – que foram tão boas ou melhores do que qualquer outra coisa em suas respectivas franquias.
Seu sucesso inicial, bem como seu poder de permanência, deve-se a vários fatores comuns, incluindo cinema visionário, efeitos especiais inspirados e performances comprometidas de atores famosos que não tinham medo de parecer velhos ou fracos enquanto seus personagens lutavam com poderes em declínio. Mas, mais do que tudo, seu triunfo coletivo se resume a uma abordagem compartilhada. Eles foram todos desvios ousados – narrativamente, tematicamente, estilisticamente, esteticamente – de entradas típicas das franquias que os geraram.
Logan (3 de março)
Mangold dirigiu o filme anterior do Wolverine, ambientado no Japão, que recebeu críticas decentes e apresenta ótimas sequências, incluindo uma homenagem a Akira Kurosawa Trono de Sangue, com Wolverine ficando cheio de flechas. Mas o filme ainda está no reino dos quadrinhos, um reino do qual Logan decididamente parte encenando e filmando seus eventos com realismo corajoso (incluindo representações realistas do que acontece com corpos humanos quando alguém os rasga com garras de adamantium).
Em 2029, os mutantes estão praticamente extintos, e Logan, Xavier e Caliban (Stephen Service provider) estão à deriva até o fim de seus dias. Quando uma jovem mutante em perigo (Dafne Willing) chega à sua porta, eles redescobrem um propósito comum. Mangold (que já havia dirigido um remake de 3:10 para Yuma) íngremes Logan no ocidente, evocando Shanemeditação clássica de George Stevens de 1953 sobre a brutalidade da violência que também narra a sobrevivência de uma família improvisada.
Os heaps ousados do filme e a iluminação de alto contraste pareciam tão bons que Mangold também lançou uma impressionante versão em preto e branco do filmeque, se alguma coisa, evoca os temas rígidos do filme ainda mais dramaticamente. Logan é de longe o melhor filme dos X-Males, o que não diz muito, mas também é a sequência rara que pode se sustentar por conta própria.
Guerra pelo Planeta dos Macacos (14 de julho)
A maior razão para o sucesso do mais recente Planeta dos Macacos série — além de um cinema espetacular — é que cada filme encontra um tom e uma abordagem diferente daquele que o precedeu. Ascensão do planeta dos Macacos (2011) é uma história de origem clássica com uma tocante história de amor acquainted entre homem e macaco que desmente o horror da sociedade se deteriorando ao seu redor.
A sequência, Amanhecer do Planeta dos Macacos (2014), se passa em um apocalipse pós-viral no qual os restos caóticos da civilização humana são justapostos às exuberantes florestas do norte da Califórnia, onde os macacos só querem viver em paz. Ao apresentar a civilização dos macacos, Alvorecer também permite que esta série se afirme como um dos feitos mais impressionantes de efeitos visuais já cometidos no cinema. Também mostra Andy Serkis, que interpreta o líder dos macacos, César, como um dos maiores atores de tela vivos.
Tudo – o VFX, a construção do mundo, as performances, especialmente de Serkis – se sobressai mais uma vez no terceiro filme, que se inclina ainda mais para a beleza quase pictórica, bem como a política progressista na forma de uma crítica ardente ao belicismo dos EUA e xenofobia de construção de paredes (tudo o que pode explicar por que essa entrada fez menos bilheteria doméstica do que seus antecessores).
O filme também continua a tendência da série de se inclinar para diferentes gêneros para dar uma nova reviravolta na narrativa. Guerra é um filme de viagem, um filme de fuga da prisão e um riff on Apocalipse Agora, com Woody Harrelson ecoando o homicida Coronel Kurtz de Marlon Brando daquele filme. Finalmente, o filme é uma alegoria bíblica, com César como Moisés conduzindo seu povo para a terra prometida, uma longa jornada de trilogia que termina com um lindo quadro pastel anunciando esperança.
Blade Runner 2049 (6 de outubro)
Se alguém não estava convencido disso cinco anos atrás, é bem claro que este filme é tudo menos uma obra-prima por seus visuais extraordinários e sua temas comoventes sobre sacrifício e a natureza da identidade humana. O unique de Ridley Scott Blade Runner (1982) tornou-se tão distinto, influente e famoso nas décadas desde que foi declarado um fracasso pela primeira vez, foi preciso muita coragem para considerar a continuação, especialmente desde que a estrela do filme, Harrison Ford, reclamou repetidamente sobre o que generation um pace miserável que ele teve fazendo isso. O diretor Denis Villeneuve confessou pisar em “território sagrado” chegar perto de uma sequência, e certamente poderia ter sido uma grande loucura. Em vez disso, ele e seus colaboradores (particularmente o diretor de fotografia Roger Deakins, que ganhou um Oscar há muito esperado pelo filme) contribuíram com uma grande obra para o cinema.
De acordo com o nosso tema, Blade Runner 2049 fez dois desvios importantes do unique que garantiram seu sucesso artístico. Ele expandiu os ambientes, afastando-se das profundezas urbanas escuras do chuvoso centro de Los Angeles para revelar muito mais do mundo da história, incluindo uma Las Vegas inabitável pela detonação de uma bomba suja, um paredão gigantesco segurando o oceano em ascensão e o cidade anteriormente conhecida como San Diego agora servindo como um enorme depósito de lixo.
A segunda partida foi escalar Ryan Gosling no filme como um Blade Runner de última geração, Agente Ok, caçando modelos mais antigos de Replicantes (como o interpretado por Dave Bautista), e fazer com que a narrativa traçasse seu arco para se tornar humano. Enquanto isso, Ford como OG Rick Deckard aparece tão tarde na foto que quase esquecemos que ele está nele. Quando ele aparece, porém, o filme liga elegantemente a história de Deckard à de Ok e oferece um ultimate profundo e comovente no qual Villeneuve presta homenagem a as cenas finais de Kurosawa Ikiru, também sobre um homem que descobre sua humanidade antes de morrer na neve. (Como com O Wolverinemencionado acima, evocar Kurosawa deve ser o movimento padrão para sinalizar uma ambição artística séria.)
Como o unique Blade Runner, BR 2049 foi um “fracasso” financeiro, mas também como seu antecessor, está destinado a um lugar alto dentro do cânone da ficção científica séria, atingindo as gerações vindouras.
Thor: Ragnarok (3 de novembro)
Se ninguém ainda disse: “Se você quer uma nova visão de algo, dê a um Kiwi”, então estou dizendo aqui! Que sorte para a Surprise Studios que o escritor/diretor da Nova Zelândia, e maravilhoso homem da cidade Taika Waititi estava em ascensão, assim como eles precisavam de uma nova voz para dar vida a uma série túrgida que havia praticamente encalhado com o letárgico Thor: O Mundo Obscuro.
Waititi deu uma olhada no subject matter, decidiu que deveria ser muito mais divertido, e todos os seus instintos provaram ser exatamente o que generation necessário. Ragnarok é hilário, visualmente deslumbrante, attractive, exagerado, comovente, cheio de ação e ritmo acelerado. Abrange significativamente os relacionamentos herdados – entre Thor (Chris Hemsworth) e Loki (Tom Hiddleston); os dois filhos e seu pai, Odin (Anthony Hopkins); e Thor e Hulk (Mark Ruffalo) – ao mesmo pace em que apresenta ótimos novos personagens.
Cate Blanchett é uma piada no modo de vampiro vestido de couro como o Giant Unhealthy, enquanto Tessa Thompson como a Valquíria embriagada e apática imediatamente se tornou um dos personagens mais atraentes do MCU. Coloque Jeff Goldblum fazendo um truque de Goldblumian com sombra escura e você acabou de riscar nove das 12 coisas que todo filme deveria sempre conter – tanto que toda vez que assisto a este filme, me faço a mesma pergunta: por que não há mais blockbusters como Thor: Ragnarok? Não é surpresa que a Surprise trouxe Wattiti de volta para a quarta entrada, Thor: Amor e Trovão.
Famous person Wars: Os Últimos Jedi (15 de dezembro)
Há pouca coisa nova a dizer sobre este filme que não tenha sido exposta without end nos últimos cinco anos no cabo de guerra de opiniões divergentes entre os campos de fãs, que incluem as opiniões deste escritor. Como os filmes de Guerra nas Estrelas tendem a ser comparados exclusivamente entre si, e não contra o cinema em geral, o debate sobre o valor tende a ser menos sobre noções convencionais de bom e ruim e mais sobre quais episódios melhor expressam a Guerra nas Estrelas de Guerra nas Estrelas. Certamente, o alvoroço Os Últimos Jedi – e as sequências em geral – se concentrou nisso.
Quais elementos melhor transmitem o estilo Famous person Wars de Famous person Wars pode ser difícil de identificar. A magia que gera Guerra nas Estrelas, que faz nossos corações acelerarem até meio vislumbrando na TV enquanto passeamos por uma Absolute best Purchase, está na fusão, não nos ingredientes individuais. JJ Abrams evoca a bebida em momentos ocasionais, e até mesmo por uma ou duas sequências estendidas, em A Força Desperta. Infelizmente, sua feitiçaria nascente não foi páreo para o verdadeiro poder das trevas no universo Disney Famous person Wars: os imperativos comerciais que exigiam um enredo tão calculado e derivado.
Os Últimos Jedi também é derivada. É apenas derivado de uma maneira muito mais pensativa, unique e subversiva do que A Força Desperta. Famous person Wars é agora seu próprio gênero. E a chave para a popularidade sustentada de qualquer gênero é a nova evocação de tropos de gênero. Um dos tropos que o diretor Rian Johnson atualiza rapidamente são as influências do filme Samurai que inspiraram Famous person Wars desde o início. E sim, estamos de volta a Kurosawa mais uma vez! O mestre japonês foi uma grande influência para George Lucas, particularmente com seu filme, A Fortaleza Escondida.
O design Samurai é evidente em todo o Os Últimos Jedino duelo Snoke/Rey/Kylo Ren na Sala do Trono, com suas máscaras e mantos esvoaçantes e fundos vermelho-sangue que lembram o drama japonês Noh que Kurosawa havia evocado em Trono de Sangue. A estética Samurai também predomina nas cenas Jedi/monge entre Luke Skywalker (Mark Hamill) e Rey (Daisy Ridley), bem como o confronto climático de Luke com Kylo Ren (Adam Driving force). A ilha de Ahch-to, embora filmado na costa oeste da Irlanda, poderia facilmente dobrar para o Japão. Seu terreno rochoso varrido pela chuva e suas estruturas em ruínas lembram a abertura do Rashomonenquanto os pães triplos de Rey evocam Toshiro Mifune de muitos de seus filmes de Samurai.
Tal como acontece com todos os filmes de nosso alardeado ano de sequências de ficção científica, tanto o sucesso inicial quanto a aclamação contínua de Os Últimos Jedi são devido ao seu afastamento ousado do subject matter de origem de maneiras importantes. A abordagem compartilhada desses filmes os tornou ótimas experiências cinematográficas por si só, bem como exemplos superiores de suas respectivas franquias.
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Fonte da Notícia: www.digitaltrends.com
